【混声三部合唱】《明日へ》練習・演奏のポイント｜フレーズ感を意識しよう

《明日へ》は、富岡博志さんによる、前向きで爽やかなエネルギーに満ちた合唱曲です。

シンコペーションを活かした躍動的なリズム、伸びやかなサビ、そして未来へ向かって進んでいくような力強いメッセージが魅力です。

この記事では、合唱曲《明日へ》を練習・演奏する際に意識したいポイントを、リズム、ハーモニー、フレーズづくりなどの観点から詳しく解説します。

日々の練習や演奏づくりの参考にしてみてください。

《明日へ》の練習番号

練習を始める前に次のように練習番号をつけておきましょう。この記事ではこの番号に沿って解説を進めます。

練習番号はどこから練習を始めるかを伝えるために役立つだけでなく、曲全体の構成を理解する助けとなります。

《明日へ》練習・演奏のポイント

ここからは、さきほどつけた練習番号にそって解説していきます。

【A】7小節～ ”あおい”

ユニゾンでのポイント

【A】の場面ではunis.（ユニゾン）と書かれています。

ユニゾンは全員が同じ音でメロディーを歌うことの目印。

次の3つを意識するのがポイントです。

1. 音程（ピッチ）

ピッチ、つまり音の高さのこと。

まずはしっかりと音取りをすることが大切。

また、正しい音を頭の中に思い浮かべてから歌い出すことがコツです。

メロディーが一本の線にまとまることを目指してみてください。

2. リズム

【A】の場面ではシンコペーションのリズムが多用されています。

これによって躍動的でノリの良いリズム感が生まれています。

少し難しいリズムですが、ずれてしまわないようにメンバー全員でテンポ感を共有し、タイミングを合わせましょう。

ピアノパートも同じリズムを弾いています。こちらの意識も忘れずに。

3. 伸ばす長さ

10小節や14小節には休符があります。その直前の音符の長さがそろうように意識できるとユニゾンをより丁寧に聴かせることができます。

休符のタイミングを取るコツはブレスを合わせること。

今回の場合、休符がフレーズの切れ目となっているため、ここでブレス（息継ぎ）を取ることになります。ブレスを合わせ、その直前ギリギリまで音を伸ばすようにすると自然と音符の長さもそろいます。

言葉を意識して

《明日へ》はシンコペーションのリズムが非常に躍動的で、その点が魅力的な作品です。

一方で、シンコペーションというのは、日本語の言葉との相性は必ずしも良いとは言えません。そのため、何も意識せずに歌ってしまうと、言葉が伝わりづらい演奏になってしまいがちです。そうならないように工夫が必要となります。

言葉を伝えるうえで意識したいのは、語頭、すなわち単語の最初の一文字目です。

【A】のフレーズから具体例を挙げてみます。

下線部が語頭になります。これらの文字を意識的に丁寧に歌うと、言葉はぐっと伝わりやすくなります。

”あおい”では、アの母音が潰れないように、よく口の状態を準備しておくことが大切です。

”かぜに”や”ふかれて”では、kやfの子音を早め・長めに歌うようにしましょう。

このとき、あまり極端に強調して、アクセントのようになってしまうと、自然なメロディーの流れを妨げてしまいますので、注意しましょう。

【A’】15小節～ ”はるかな”

ハモリ方の違いを考えて

【A】はユニゾンでしたが、【A’】からはパートが分かれてハモります。ここが大きな違いです。

どのようにハモるのか、違いを整理してみましょう。

15～18小節

ソプラノが主旋律、アルトがハモりです。

アルトは「ミ → レ♯ → レ♮ → ド♯ → ド♮ → シ」のように音が半音ずつ下がっていく半音進行となっています。

美しいラインですので、少しアピールできるとよいと思います。

このように下降していく音型の場合、音が下がりすぎてしまうことが多いです。体の支えをしっかり保ちながら、音が下がるというよりは、遠くにいくというイメージを持つと正しいピッチをキープしやすいです。

19～20小節

ここでは男声がメロディーとなります。

存在感が出るように、主役意識を持って、堂々と歌いましょう。

21～22小節

ここでソプラノ・アルト・男声が合流します。

まずソプラノは、男声からつながるメロディーを引き継ぐことを意識しましょう。男声の歌い方をよく聴いておくことが大切です。

また、ここからはそれぞれ異なる音を出す3パートのハモリとなります。各パートの音をよく聴き合ってハモるようにしましょう。

一度ゆっくりとしたテンポで練習してみると、和音の感覚を掴みやすいと思います。

22小節の男声の音は取りづらいので要注意。シ・ラ♯・シ♯の3つの音をしっかり区別できるように整理しておきましょう。

この♯の臨時記号が付く音は、【B】から始まる短調を予感させる音になっています。

【B】23小節～ ”どこまで”

トーンの変化を感じて

【A】の部分はホ長調、つまり明るい調でした。

一方この【B】からは嬰ハ短調、つまり暗い調へと転調しています。

このトーンの変化をよく感じ取りながら歌いましょう。”どこまでいけるかわからないけど”、”こどくやふあんをのりこえて”という歌詞と関連させることもできると思います。

強弱の対比をくっきりと

音量に注目すると、まずはf（フォルテ／強く）、そのあと27小節のアウフタクトからはmp（メゾピアノ／少し弱く）と変化します。

fとmpはかなり大きな差。強弱の差（ダイナミクスレンジ）をしっかりつけると、効果的な表現となります。

また、ここでのmpには、後にあるcresc.（クレッシェンド／だんだん強く）を際立たせる役割もあります。いったん小さくしてからクレッシェンドすることでより効果が出るというわけです。

【C】31小節～ ”はてなく”

再びの転調

【B】は短調でしたが、【C】から再び長調（＝ホ長調）に戻ってきます。

ここから明るく前向きな曲調になるということを感じながら歌いましょう。

フレーズを大きくとらえて歌おう

【A】【B】ではシンコペーション中心の躍動的なリズムでしたが、【C】は2/2拍子的な、伸びやかで気持ちの良いフレーズとなっています。

ここはあまりリズムを刻みすぎることなくレガート（＝滑らかに）な歌い方が適していると思います。

また、フレーズのまとまりを大きく、4小節単位で捉えて歌いましょう。

”はてなく”、”つづく”、”みちをいく”、”ぼくら”というように、文節で途切れてしまわないようにして、”はてなく つづく みちをいく ぼくら”というように、ひと続きになるように歌えるとよいでしょう。

34小節の最後にブレス記号がありますので、それを守ることで自然にこのような歌い方になるようになっています。

最高音への準備をして

ソプラノのメロディーは、階段を駆け上がるように上昇していき、最高音ミまで到達します。

比較的高い音なので、この高さを歌い切れるよう、事前にしっかり体の準備をしておくのがコツです。

これは、フレーズを歌いはじめてからでは準備が間に合わないので、31小節の”はてなく”に入る前から、先を見据えて深いブレスを取っておくことが肝心です。

フレーズの山を意識して

最高音であるミがちょうどフレーズの山・頂点となっています。

クレッシェンドが書かれているわけではないですが、そこに向かって音をふくらませるようなイメージを持って歌うと、自然で伸びやかに歌えます。

39～42小節も同様に歌いましょう。

【D】55小節～ ”どこまで”

アウフタクトに力強さを

【D】に入る直前のアウフタクト”ぼくら”はユニゾンとなっています。【C】のアウフタクトはハモっていたので、ここは異なる点です。

ユニゾンになることで、メロディーの線が太くなり、言葉の持つメッセージがより力強く表現されます。

【D】からは最後のサビに入りますから、cresc.をこれまで以上に気持ちのこもったものにできると、感動的なラストに繋がります。

【D】の音量は【C】と同じくfですが、実際には一回り大きく、più fのような気持ちで歌っても構わないと思います。

クライマックスを歌い切ろう

【D】は基本的には【C】と同様のフレーズ感となりますが、ラストの69～71小節でメロディーが最高音「ミ」に向かって上がっていく点は大きな違いとなります。

ここは【D】だけでなく曲全体を通してのクライマックスとなりますので、一番盛り上がるように気持ちを持っていきましょう。

息が足りなくなってしまうときは（）つきのブレス記号で息継ぎをしても構いません。上手く活用してください。

まとめ

《明日へ》は、シンコペーションによる躍動感と、サビで大きく広がるフレーズが魅力的な合唱曲です。

練習では、ユニゾンの音程・リズム・音の長さをそろえること、シンコペーションのリズム感を共有すること、そしてハーモニーや転調による響きの変化を丁寧に感じ取ることが大切です。

特に【C】以降は、フレーズを大きくとらえ、最高音に向かって音楽を自然にふくらませていくことで、より伸びやかで説得力のある演奏につながります。

最後の【D】では、曲全体のクライマックスとして、言葉の力と音楽のエネルギーをしっかり届けられるように歌いましょう。

本記事が、皆さまの練習や演奏づくりの参考になれば幸いです。

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