合唱曲『次の空へ』練習・演奏のポイントを場面ごとに詳しく解説

『次の空へ』は、作詞・作曲者の弓削田健介さんの作品。

ポップス調のためキャッチーで、共感しやすい歌詞やちょっと切ないコードが魅力的な曲です。

この記事ではリクエスト時にいただいた質問の回答を踏まえ、練習・演奏のポイントを詳しく解説しています。

ぜひ最後までご覧ください。

『次の空へ』の練習番号

練習を始める前に次のように練習番号をつけておきましょう。この番号に沿って解説を進めたいと思います。

練習番号はどこから練習を始めるかを伝えるために役立つだけでなく、曲全体の構成を理解する助けとなりますので、ぜひ活用しましょう。

『次の空へ』練習・演奏のポイント

【A】6小節～ “じゅうねんごの”

語る・つぶやくようなmpで

【A】の音量はmp（メゾピアノ・少し弱く）となっています。

ここはポップスで言うとAメロの前ウタ的な場面ですので、しっとりと語りかける、あるいはつぶやくような表現がふさわしいのではないでしょうか。

【A】でしっかり雰囲気をつくっておくと、盛り上がる場面との対比がつき、より感動的な演奏することにも繋がります。

このように、音量の記号が出てきたときは、ただ単に強弱を付けて歌うというのではなく、何かしらの意図を持って表現できると良いと思います。

「タテ」のアンサンブルを意識して

6小節および10小節では、合唱とピアノパートが同じリズムになっていることを知っておきましょう。

音が変わるタイミングがそろっているので、こういったパターンのことを「タテ」がそろっていると言います。

合唱パート、ピアノパートがお互いのリズム感、流れをよく感じて、ぴったりそろって動くことが大切です。

言葉の頭を意識しよう

【A】のように語りかける場面では、言葉をしっかりと「喋る」ことが大切です。

せっかく素敵な歌詩なので、ぜひとも聞いている人に伝えたいですよね。

合唱で言葉を伝えようとするとき、ポイントになるのは言葉の頭、1文字目です。

この1文字目が聞いている人にしっかり伝わると、歌詩全体が伝わりやすくなるのです。

もちろん、すべての文字が伝わるようにすれば良いのですが、そうするとメロディーの流れが悪くなって、逆に音楽としての美しさが損なわれてしまうのです。

そこで、まずは言葉の頭の文字に丸印をつけてみましょう。（本ブログでは下線で表現します。）

このようになりますね。

印をするだけでもずいぶん意識が変わって、歌詩が聞き取りやすくなると思います。

休符が大事！

【A】の場面での「つぶやき感」を生んでいる要素として、休符があります。

などですね。

ここに無言の時間があることで、語りかけるときの「間」が生まれます。

休符でのポイントは、その直前の音をきっちりと伸ばしきること。

長すぎても、短すぎてもよくありません。

【B】14小節～ “まっさおの”

伴奏の変化を感じて

まずはピアノパートに注目しましょう。【A】では2分音符など伸ばす音が多かったのに対し、【B】に入ると4分音符を刻み始め、音楽に前向きな推進力が出てきます。

合唱パートの人もその変化をしっかりと感じながら歌いましょう。

メロディーのずれ

【B】で最初に歌うのはソプラノ＋男声。遅れてアルトが入ります。

つまり、メロディーをずれて歌う掛け合いになっているのですね。

【A】はユニゾンが主体でしたが、【B】ではそういった変化があることを押さえておきましょう。

それぞれのパートが歌うタイミング、音量のバランスが大切になるフレーズです。

ここでも言葉の頭が重要

言葉の頭に◯をつける方法は、【B】ような掛け合いの場面でも有効です。

こうすることで、言葉が伝わりやすくなるだけでなく、メロディーがずれて入ったことが伝わりやすくなるからです。

“そのなかですこしだけおとなになったぼくも”というフレーズに◯をつけてみましょう。自分のパートだけでなく、他のパートも同様にしてみてください。

そうすると、◯のついた場所が、パートによってずれていることが分かりやすくなりますね。

◯の場所を確認しながら、他のパートがどんなタイミングで入ってくるかを感じ取りながら歌いと、掛け合いが上手く決まります。

合流とクレッシェンド

21小節の”いっしょにわらってる”のフレーズにも同じように◯をつけてみると、気づくことがあると思います。

ここまではパートによって◯がずれていましたが、ここでは位置がそろいますね。

つまり、ソプラノ・アルト・男声の3パートが歌うタイミングが一致するということです。

最初にも触れたように、これが「タテがそろう」ということです。

3パートが合流することで、音の厚みが増し、力強さが出てきます。クレッシェンド（だんだん大きく）も活かして、【C】のfに向かって盛り上げていきましょう。

【C】23小節～ “いきてゆく”

大きく歌う前に大きくブレス

【C】ははポップスで言うところのサビになります。f（フォルテ/強く）でしっかり盛り上げたい場面です。

大きな声で歌うために大切なのが、ブレス、つまり息継ぎです。

【C】に入る直前、つまり22小節と23小節の間でたっぷりと大きくブレスを取ることを意識しましょう。

ブレスを取るために少し音が抜けてしまうのは問題ありませんが、ブレス記号や休符を書いていないことからすると、作曲家としてはこのクレッシェンドを次のfになるべく繋いで欲しいという意図があるかもしれません。

そのため、あまり大きな隙間を空けること無く、半拍分で瞬間的にブレスを取るようにすると良いと思います。

f・mfの歌い方

【C】に入って最初の2小節間はfとなっています。

このfはたっぷりと、豊かなレガート（なめらかに）で歌うのが良いと思います。乱暴な感じになってしまわないように注意しましょう。

その後、デクレッシェンドがありmfとなります。

ここでは音量を小さくするだけでなく、歌い方も変えてみたいところです。

fのところは8分音符が主体だったのに対し、mfのフレーズは16分音符が主体で、細かいリズムになっています。

こうしたフレーズでは、たっぷりと歌い上げるというよりは、歌詩を丁寧に「喋る」ような歌い方を意識しましょう。

音量と歌い方の変化をつけると、音楽にメリハリが出てきます。

最高音への跳躍を丁寧に

fのフレーズで注意したいのが、”いきていゆく”の「ミ」の音です。このあたりでの最高音となります。

”てゆ”のところで音が「シ」から「ミ」に飛んでいます。このように離れた音へ飛び移ることを跳躍と言います。

跳躍のあるフレーズでは、高い音へしっかりと上がり切ること、2つの音の間を丁寧につなぐことがポイントになります。

難しいですが、何度も練習してぜひクリアして欲しいと思います。

ユニゾンを大切に

29～30小節は再びmfが出てきます。

【C】の他のフレーズと異なるのは、ここがユニゾンであること。

これまで3パートでハモっていたところから、響きがシンプルになることで、歌詩をより印象的に伝えることができます。

このmfは出来るだけ大切に、優しく丁寧に歌いましょう。

ピアノパートの伴奏が変化することも感じ取ると、イメージをつかみやすいと思います。

2カッコではfをキープ

1カッコではmfを大切に歌いましたが、2カッコではfをキープする必要があることはしっかり押さえておきましょう。

“あるこうつぎのそらへ”という前向きな歌詩にふさわしく、力強く歌い切ってください。

『次の空へ』というタイトルを歌う歌詩でもありますね。

【D】32小節～ （間奏）

高音をきらめくように

【D】はピアノパートによる間奏です。

右手の高音のパッセージはきらめくような音色を意識して弾きましょう。

【E】40小節～ “uh”

要素と流れを整理しておこう

【E】の場面は曲全体を通して、一番の聴かせどころとなる場面です。

「クレッシェンド → 転調 → ソロ → コーラスでのff」と、多様な音楽的要素が出てきます。これらの流れを整理しておき、しっかり表現・アピールできるようにしましょう。

クリアするべき要素も多くなっています。順番に見ていきましょう。

入りの音をイメージして

まず難しいのが【E】の入り。

音がぶつかる（アルトの「ミ」と男声の「ファ♯」）上、しばらく休みだったこともあり、音を見失いやすいところです。

ピアノを38小節から弾いてもらい、正しい音で入る練習を繰り返し行っておくとよいと思います。

直前のピアノパートから自分のパートの音がイメージできるよう、集中する必要があると思います。

クレッシェンドの前は小さく

42小節からのクレッシェンドは、転調するところに向かって大いに盛り上げましょう。

ここでのクレッシェンドのコツは、最初は小さめに入こと。

40小節には音量的には何も書かれていませんが、あえてmpくらいに抑えて入ることで、その後のクレッシェンドのレンジ（音量変化の幅）が大きく取れ、非常に効果的です。

ピアノパートも同様に小さく入り、そこからクレッシェンドしていきましょう。

ピアノパートのビート感を強調して

【E】からはのピアノパートは8分音符を刻む伴奏形となっています。

ここはスタッカートおよびスタッカティッシモがついているところは少しアクセント的に、ビート感をを強調して、期待感を煽るようなイメージで弾いてみましょう。

転調で新しい世界へ

44小節の”そらへ”でヘ長調へ転調します。

ほとんど前触れがない転調のため、一気に新しい世界が広がるような印象のある、鮮烈な場面です。

全体の音が半音上がることになるので、歌う音を高めにイメージすると、明快なサウンドが得られると思います。

【F】45小節～ “いきてゆく”

声部による対比

【F】ではサビのメロディーを歌うパートの数やハモリが変わっていくことが特徴です。

②が歌う人数も多く、ハモりますので、音の厚みが一番あるフレーズです。音量的にもff（フォルティッシモ/とても強く）で、クライマックスとなります。

それぞれのフレーズで、音量を始めとする表情にしっかりと差がつけるように意識しましょう。そうすることで音楽にメリハリが出てきます。

①のピアノパートはソプラノの音量に配慮してmfなっていますが、ソリストの清涼に合わせて調整するとよいと思います。

短調の和音を切なく、美しく

50小節の”だきしめて“と伸ばす音は、ハーモニーが大切。

男声の音に♭がつくことで、短調の和音となります。切ない響きを、美しく鳴らしましょう。

それぞれのパートの音が跳躍して上がるため、乱暴にならないよう、より丁寧に歌うことを意識するのがコツになります。

フェルマータを伸ばしている間は、自分の音が下がらないように。

また、周りの声を良く聴いて、響きを溶け合わせることを意識してください。

終わりに向かう雰囲気づくり

ffを歌いきった後は、mfと落ち着き、曲の終わりの雰囲気に向かいましょう。

51小節からはややテンポを落とし、しっとり歌っても良いと思います。

また、53小節で”あるこうつぎのそらへ”という歌詩を繰り返しますが、ここはこれまでよりいっそう大切に、優しく歌いたいフレーズです。

まとめ

ポイントをまとめておきます。

【E】～【F】がこの曲での一番の聞かせどころとなります。

ですが、だからと言って【A】～【D】が大切ではないということはありません。

【E】～【F】で感動的な音楽にするために、【A】～【D】をどう歌うか、どうクライマックスまで持っていくかが重要です。

さらに詳しく知りたいことがあれば、お問い合わせなどからお気軽にご連絡ください。

最後までご覧いただきありがとうございました。